Duda Suliano

Eu sempre achei que existe um momento em que, durante o tocar uma música, estamos tão fundo no mergulho que damos que temos a sensação de não sentir mais o tempo. Quando estou ali, não há tempo; não há próximo compasso e não se passou nenhum. Só há o agora!

Eu sei, tá muito doido isso… mas é uma sensação! E é forte! É como se tocassemos o eterno, o divino!…

O tema principal de “Prism” – do disco “Changes”, do pianista Keith Jarrett – nem aparece no vídeo! O trecho em questão começa logo após o final do solo do baixista Gary Peacock; a música pede um novo rumo e eles obedecem.

Um êxtase sincero, verdadeiro, honesto. Uma amostra do que é “tocar o eterno” com a arte.

Faz tempo que não passo pelos meus cds de música clássica. Engraçado como a música instrumental – e, com mais propriedade, a orquestral – faz emergir nossa humanidade. Notas simpatizam com os pontos mais latentes em nós: medo, esperança, solidão, paixão… Não é uma questão de ser melancólico ou coisa parecida, mas o que ouvimos cotidianamente nas rádios (claro, há excessões…) é sempre algo que nos remete a uma euforia, a um espírito do “vamos em frente!”.

E é pra ir em frente mesmo! Mas uma pausa é sempre recompensadora…

A introspecção que nos remete Mahler no mov. IV (Adagietto) de sua Quinta Sinfonia, nada tem de “difícil” (como alguns se referem à música erudita). Mas também nada tem de banal! É simples e profunda, grandiosa e pontual; própria pra qualquer pessoa que ama, sofre, ri e tem esperança.

Ninguém merece ser subjulgado e privado de ouvir e vivenciar a boa arte.

Ouça-a e lembre-se: não é pra ser compreendida com o intelecto, mas com o coração.

Entre alguns projetos pessoais que tenho, está um duo de guitarra e bateria com o meu amigo Diego Laje. Este trabalho está em laboratório faz uns 2 anos (claro que 2 anos de muitas pausas…) e tem me trazido muita satisfação. Utilizo um Loop Station, no qual gravo minha guitarra em tempo real, e fazemos o tema a partir dalí. O LS não é uma obrigação, portanto, o desafio está aí: termos um resultado que não cause uma sensação de que o ouvinte está diante de algo incompleto.

Bem, o som que está lá no meu MySpace é uma gravação “ao vivo” de uma releitura que fizemos de “A Forest”, do The Cure. Esteticamente o trabalho vai caminhar naquela praia ali…

Vou dando notícia… Se puder, dê uma comentada…

Abraço!

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Um som que tenho ouvido ultimamente é o Black Dub; um pop com um som mais cool, com grooves marcantes e uma maturidade imbatível na execução. Daniel Lanois, o guitarrista e líder do projeto, é um produtor de mão cheia, tendo trabalhado com grandes nomes, como o U2. Brian Blade é um dos bateristas que mais admiro atualmente e a cantora (que eu não conhecia) tem uma voz sensacional.

Vale uma pesquisada e algumas escutadas.

Será que quando não gostamos de algo é simplesmente por uma questão de “gosto” ou nos falta alguma coisa pra que passemos a ter interesse pelo que até então afirmávamos não gostar?

Vale ressaltar que gostar não é algo simplesmente relacionado com o belo, o “bonito de se ver”; gostar é ter interesse, curiosidade mesmo que a obra observada nos traga sentimentos que não tenham relação com o “belo” (como quando assistimos a um bom filme de suspense…).

Sempre que nos deparamos com uma arte qualquer (arquitetura, pintura, etc) inicia-se ali uma troca, um jogo entre nós e a obra de arte. Desse jogo nasce nossa impressão sobre a obra. A brincadeira, na verdade, começa na tentativa de entender a regra do jogo. Nesta etapa, tentamos decodificar a linguagem, nos permitimos sentir sentir e nos apropriamos de cada impressão em nossa alma. Não é algo mecânico, calculado. Entender a regra do jogo é um exercício de sensibilidade, um desafio.

O que faz uma obra ser uma grande obra de arte é a capacidade do artista de desenvolver um jogo genial. A linguagem empregada, a técnica, o desenvolvimento estético, tudo entra no jogo e brinca conosco.

Dizer que não gostou é não entender a regra do jogo. Gostar de algo é apreendê-lo e compreendê-lo. A regra para compreender uma maça é saboreá-la; a regra para compreender uma obra de arte é absorvê-la.

Gosto se discute sim! Debata, viva!!

Costumo ouvir a máxima “a música é 10% inspiração e 90% transpiração” com cada vez mais frequência… Não sei se concordo com isso…

Primeiramente, me soa bastante pejorativo pontuar a transpiração como o componente justificativo para dizer que música é uma profissão, um trabalho. Parece que, para o autor do discurso, um trabalho que não causasse transpiração seria algo duvidoso.

Em segundo lugar (e eis o ponto que considero importante) é óbvio que a música é – necessariamente – inspiração. Precisa ser. Não se faz música com trabalho braçal ou movimentos repetidos, ensaiados. Daí saem os instrumentistas, aqueles que manuseiam bem seus instrumentos; e a técnica realmente exige suor!

Mas música é exatamente o contrário disso! Ela precisa nascer de uma mente livre, de um peito de criança que transpira de tanto brincar! A música é uma linguagem que o coração do artista utiliza pra gritar suas verdades.

E esse processo é difícil; suamos litros e litros pra conseguir achar a nota exata, a pausa correta, a dissoância perfeita pra expressar um sentimento. Mas esse suor é fichinha diante das ondas que nos impulsionam mar adentro dessa inspiração primeira. E essa inspiração primeira, que antecede todas as outras, tem origem na verdade que antecede todas as outras. A busca de um novo que pre-sentimos já conhecer desde sempre: Deus

Afinal de contas, a inspiração quer apenas trazer novos ares aos nosso pulmões. Nos fazendo sentir pulsantes, únicos, vivos.

Brad Mehldau é um pianista sensacional! Um jeito contrapontístico de tocar (os improvisos são lindos!) e uma sensibilidade fantástica. A música do vídeo abaixo é uma releitura de um clássico do Radiohead.

Vale uma pesquisada e algumas ouvidas!

Hoje vi um artista nascendo!

Ele estava lá: tímido, sem a noção de já estar nascido, mas completamente seguro e esclarecido sobre seu olhar. Falamos sobre objetivos e, alí mesmo, tive a convicção de que o objetivo é sempre buscar novas possibilidades de gritar a mesma verdade. A ânsia por gritar essa verdade gera novas experiências que, por sua vez, imprimem originalidade em sua obra. Portanto, sendo a experimentação a experiência com o novo, então o que é original precisa nascer do novo – sempre de novo!

De fato, assim é o homem: sendo ele conservador ou moderno, é sempre alguém diferente daquilo que foi um dia antes. Afinal, envelhecer é ser uma novidade diante do que se foi no passado (que contradição!). Bem, se o homem envelhece definindo-se sempre de novo, então a morte é a eternização do novo!

De forma semelhante, também a arte busca se consumir na nova experiência. Morre a tinta, nasce o quadro; esvai-se o sopro, nasce a nota; destroi-se a pedra, brota a escultura… E neste processo, consome-se também o artista, que desfaz conceitos, experimenta novas formas, reflete sua vida e, no processo criativo, se reinventa também. Nasce também.

Ao mesmo tempo, a obra de arte finalizada pelo autor não tem ainda seu ser acabado; afinal de contas, a obra é reinventada a cada degustação do público; cada interpretação, cada sensação vivida, conceitua e traz novas interpretações àquele objeto. E a cada experiência dessa, nasce um novo fruidor (leitor, espectador, ouvinte) e uma nova obra.

Na arte reside a dádiva de podermos nascer de novo. No artista reside a ânsia de “morrer-se” sempre de novo.

Muitas reflexões podem surgir de “A Partida”, mas o que mais me tocou foi sua capacidade de mostrar o poder que a solidão tem de tornar o outro um alguém irreconhecível. Ao mesmo tempo, o filme consegue – com muita habilidade e sensibilidade – mostrar o luto como um lugar de reconhecimento de nossas verdades.

“A Partida” não é um filme sobre perdas, mas sobre encontros (ou melhor, reencontros!).

Vale a pena assistir.

Há uma diferença bem interessante entre poema e poesia. O primeiro tem uma existência material, é o que está contido nos livros, é palpável, empírico. Já o segundo é o que se encontra dentro do artista e o que atinge o leitor, o fruidor. Por isso mesmo, é também o que dá vida àqueles versos impressos, estruturados palavra após palavra.

Divagando um pouco mais, a tal poesia – ainda num estágio “embrionário”, lá no peito do poeta – talvez nem esteja estruturada versos… Talvez seja ainda uma sensação, uma percepção que, ao invés de retornar “pra fora” através de uma reação, tenha se voltado pra dentro; um sentimento que se faz arte.

Pensando dessa forma, podemos considerar que uma obra de arte – seja ela um quadro, uma pintura, uma encenação – já exista bem antes de sua execução material. Mais ainda, antes mesmo de sua idealização material! Este ser que existe dentro do artista está livre de acidentes, de materialidade: é ainda um sentimento que quer uma linguagem pra se tornar material. Com isso, o artista escolhe quais objetos irá se valer pra tornar sua verdade visível a todos: figuras geométricas, notas musicais, argila, seu próprio corpo.

A galera do abstracionismo (Kandinsky, Klee, Malevich, entre outros) teve uma grande sacada quando concluiu isso tudo aí de cima: perceberam que não precisavam de objetos figurativos do mundo real (paisagens, retratos ou figuras comuns) para descrever o que havia dentro deles. Eles precisavam apenas expressar. Aqueles pintores não consideravam suas obras abstratas – para eles, os pintores que se valiam de objetos reais para descrever suas sensações é que eram abstratos! – mas, o próprio Kandinsky define sua obra como a concretização daquele núcleo artítico que move todo artista.

Isso tudo deixa claro que a principal tarefa do artista não está em encadear belos acordes em uma harmoniosa melodia, mas que sua técnica esteja à serviço da verdade que nasce dentro dele próprio. E que sua sensibilidade esteja aguçada para observar – com olhar de poeta – aquilo que Deus dispõe para nós, todos os dias.